Note d'intention de Jonathan Capdevielle

Dans mes créations, l’enfant tient une place importante. Adishatz/Adieu, Saga et A nous deux maintenant font toutes, directement ou indirectement, référence à l’enfance. Les souvenirs d’enfance sont souvent moteurs dans mon processus d’écriture de dialogues ou de récits. Notamment dans Saga, pièce construite à partir de matériaux issus de la mémoire et qui met en scène les souvenirs personnels.

Cette figure de l’enfant aux multiples statuts - d’observateur, de témoin, d’acteur ou de fil conducteur de la fiction - révèle sous différentes formes la complexité du monde des adultes. En effet, mes pièces abordent des réflexions sur des sujets communs, comme par exemple l’identité, la sexualité, le rapport à la famille, aux racines et de manière générale ce qui constitue l’individu, d’où il vient et ce qu’il devient. L’enfant observe le monde des adultes et le considère comme une première référence, un exemple à suivre.

Ce sont ces notions d’apprentissage et de construction de soi qui me motivent à engager un travail destiné cette fois-ci au jeune public. Je désire mettre l’enfant au coeur d’une proposition dans laquelle je travaillerai à créer de l’empathie pour un jeune héros qui fait face aux épreuves parfois rudes que lui impose la vie, et qui sort grandi de ses expériences, qu’elles soient positives ou négatives. Ce personnage, secoué par de multiples émotions, est confronté à des situations parfois extrêmes, mais jamais il ne baisse les bras ; au contraire, il fait de son malheur une force et malgré son jeune âge apprend vite à se débrouiller et à s’en sortir.

En 1990, j’ai découvert à la télévision l’adaptation manga Rémi sans famille dont j’ignorais l’auteur et qui me fascinait. Suivre chaque soir de la semaine les aventures de ce jeune garçon m’excitait au plus haut point. J’ai donc acheté le roman d’Hector Malot.
L’œuvre aborde le thème de l’enfance et de la quête d’identité à travers une initiation qui se traduit par un voyage aux multiples rencontres. Un voyage qui révèle l’attachement à l’acte artistique, présenté comme un gagne-pain, un moyen de survie à la fatalité qui pèse sur le personnage de Rémi. Au début du roman, cet enfant héros repoussé par son père adoptif est confié, moyennant de l’argent, à un bonimenteur et sa troupe (des chiens et un singe), qui vont l’éduquer et l’initier à l’art du spectacle. Il parcourt ainsi la France de ville en ville avec cette singulière deuxième famille, dans l’espoir de se construire un autre avenir. L’enfant est ici, à l’inverse de Pinocchio, dans un rapport presque direct, réel, et authentique au monde, aux épreuves que lui inflige cette nouvelle vie de saltimbanque. La vie qui est ici clairement un terrain d’apprentissage et de réflexion pour le jeune enfant et dont l’objectif, est de continuer d’avancer bon gré mal gré en travaillant à devenir, non sans difficulté, indépendant.

Le roman, écrit à la première personne, endosse le statut d’un récit en apparence autobiographique, puisqu’on découvre que son auteur n’est nul autre que Rémi. Un Rémi devenu adulte qui nous fait part de cette histoire de vie singulière, celle d’un enfant adopté, vagabond, en quête de vérités.

Je souhaite créer deux épisodes, adaptés du roman, qui mettront en scène les différentes étapes de ce voyage initiatique. La matière du roman est conséquente, et je veux garder une certaine cohérence quant à l’histoire du personnage de Rémi et à sa manière d’évoluer, de se transformer. Cela nécessite de l’adapter en privilégiant les parties de dialogues mais aussi la narration, qui aide à développer dans le détail les descriptions ou les états d’âme des personnages du récit. La présence vocale ou physique d’un narrateur, comme par exemple le personnage de Rémi adulte, n’est pas exclue.

Je fais le choix de travailler l’espace théâtral dans son état brut. En l’absence de scénographie, ce sont les interprètes qui fabriqueront l’espace de la fiction, tandis qu’un système son immersif permettra de travailler des scènes hors-champ.
À la manière de mes précédentes pièces, les interprètes seront en capacité d’endosser plusieurs rôles et identités. Pour créer une multitude de personnages avec un petit nombre d’acteurs, je souhaite travailler sur les techniques du masque et ainsi m’appuyer sur leur force esthétique.
Le masque nécessite en effet un jeu précis. Il permet à l’interprète de travailler dans le détail, et de donner corps et voix à des personnages fantastiques. C’est cette métamorphose, cette incarnation totale, presque issue du rite et de la possession qui m’intéresse ici. Le personnage masqué peut évoquer le divin, comme le sacrifice, il impressionne, amuse, inquiète et amène de l’étrange, de l’irréel dans la représentation.
Cette idée du rituel sera également incarnée par le personnage de Vitalis, le bonimenteur chef de troupe. Dans le roman, cet homme au passé énigmatique est un nomade qui a une connaissance précise du voyage et des territoires. Lorsqu’il est en représentation, il maîtrise l’art de la parole et de la musique comme personne, il en impose lorsqu’il harangue la foule. Il est aussi une sorte de père, de guide spirituel pour Rémi. Il lui enseigne les bases élémentaires de l’éducation, il est une des réponses aux questionnements de l’enfant sur son rapport au monde et sur son fonctionnement.
 

Jonathan Capdevielle (Septembre 2018)

Entretien avec Dimitri Doré qui interprète le rôle de Rémi, et que nous avons vu dans A nous deux maintenant (2018), au théâtre Garonne

Dans ton parcours, tu as joué à de nombreuses reprises des rôles d’enfant, de jeune garçon et /ou fille (cinéma, théâtre, pièce radiophonique), qu’est-ce que ça convoque chez toi ? Quel(s) rapport(s) entretiens-tu avec l’enfance, qui n’est pas si lointaine ?

Dimitri Doré : Immédiatement, mes souvenirs se concentrent à Reims, là où j’ai grandi avec ma famille. Cela me rappelle la découverte de l’ordinateur dans les années 2000, mêlant des souvenirs d’école où je m’amusais à imiter physiquement mes professeurs à partir du mercredi après-midi, la télévision avec le lancement de la TNT, les sorties avec mon père qui m’emmenait voir des cirques qui passaient dans ma ville...
Suite à la rencontre de Jonathan Capdevielle en 2017, j’aime incarner des rôles d’enfants, spontanés et contemplatifs pour les uns, introvertis pour d’autres. Mon enfance a été heureuse et ce métier me permet de réactiver des images précieuses que l’on peut parfois oublier avec le temps, hélas.

En tant que comédien, qu’est ce que ça implique de jouer pour le tout public ?

D.D : Je ne connais pas encore le tout public... je vais le découvrir en même temps que Jonathan et notre équipe au fur et à mesure de l’exploitation de ce spectacle. Hâte de rencontrer ce tout - nouveau - public!

Qu’est ce que le personnage de Rémi représente pour toi ?

D.D : Il y a un peu de moi et de Jonathan Capdevielle à la fois dans ce personnage.
Rémi est un enfant curieux, inventif avec un tempérament assez fort. Il va finalement se rendre compte de certaines réalités que la vie peut amener lorsque l’on a 8 ou 18 ans (question de l’adoption, vivre avec un père absent, quitter le foyer familial, rentrer dans la pré-adolescence, etc.). C’est grâce aux rencontres, riches et décisives que Rémi s’orientera vers une vie d’adulte sans oublier et sans renier celles et ceux qui l’ont formés.

Cela fait plusieurs fois que tu travailles avec Jonathan Capdevielle, peux-tu nous parler du travail mené, notamment autour de cette dernière création, Rémi ?

D. D : Jonathan m’a offert une belle panoplie pour cette pièce : de la ventriloquie, un travail de voix en studio et même de la chanson. Notre travail se poursuit avec la même excitation et la même folie accompagné de mes trois partenaires de jeu Michèle GURTNER, Babacar M’BAYE FALL & Jonathan DRILLET.

Tu as prêté ta voix pour plusieurs pièces radiophoniques et une série (The Middle)… Quel rapport as-tu à la voix ? A ta voix ?

D. D : La voix permet de faire passer beaucoup d’émotions. Elle ne te trahit jamais. Il faut en prendre soin, la travailler et même s’écouter (le plus difficile parfois pour certaines personnes). Depuis mon plus jeune âge, ma voix est aigrelette. J’ai peur de n’avoir pas mué tant que cela à l’aube de mes 23 ans mais j’ai appris à me servir d’elle comme un outil de travail et à incarner des personnages à l’opposé de ma tessiture initiale.

En tant que jeune comédien, qu’est ce qui t’inspire et te guide ?

D. D : Mes inspirations viennent des personnes que je côtoie au quotidien, de mes anciens professeurs, des clowns comme Frédéric BLIN, la folie que peut amener Joséphine DE MEAUX ou Michel FAU, la discipline et la rigueur qu’avait Michel BOUQUET dans ses cours, l’énergie électrique de Tina TURNER lors de ces shows mais aussi des duettistes comme la bande des Branquignols orchestrés par Robert DHERY et Colette BROSSET, car j’ai toujours aimé rire en tant que spectateur, quelque soit l’âge que j’ai ou que l’on peut me donner.

Entretien de Dimitri Doré mené par Pauline Lattaque, octobre 2019

PARTIE I
conception, mise en scène Jonathan Capdevielle
adaptation Jonathan Capdevielle en collaboration avec Jonathan Drillet
interprétation Dimitri Doré, Jonathan Drillet, Michèle Gurtner, Babacar M’Baye Fall
assistante à la mise en scène Colyne Morange
conception et réalisation des masques Etienne Bideau Rey
costumes Colombe Lauriot Prévost
assistante costumes Lucie Charrier
Coiffe Vitalis Mélanie Gerbeaux
lumières Yves Godin
musique originale Arthur Bartlett Gillette
création son Vanessa Court
régie générale Jérôme Masson
production, diffusion, administration Fabrik Cassiopée – Manon Crochemore, Manon Joly et Isabelle Morel
production déléguée Association Poppydog
coproduction Le Quai, Centre Dramatique National – Angers Pays de la Loire / Nanterre-Amandiers, centre dramatique national (FR) / Festival d’Automne à Paris (FR) / Théâtre Garonne, scène européenne Toulouse (FR) / Théâtre Saint Gervais – Genève (CH) / CDN Orléans / Centre-Val de Loire (FR) / L’Arsenic – Lausanne (CH) / Tandem – Scène nationale de Douai (FR) / TNG – Centre dramatique national de Lyon (FR) / Le Parvis, scène nationale de Tarbes (FR) / La Rose des vents, scène nationale Lille Métropole Villeneuve d’Asq (FR) / Le Maillon – Théâtre de Strasbourg – Scène européenne (FR), avec l’aide de la Région Ile-de-France, au titre de l’aide à la création.
avec le soutien du CND, centre national de la Danse – Pantin (FR)

PARTIE II
direction artistique Jonathan Capdevielle
adaptation Alexandre Lenot
en collaboration avec Laure Egoroff et Jonathan Capdevielle
musique originale Arthur Bartlett Gillette
réalisation sonore Laure Egoroff
chef opérateur du son & montage son Mathieu Farnarier
mixage Djai
bruitage Elodie Fiat
mastering Pierre Luzy – Music Unit
interprétation Jonathan Capdevielle, Dimitri Doré, Jonathan Drillet, Arthur B. Gillette, Michèle Gurtner, Anne Steffens
illustrateur du poster Etienne Bideau Rey
direction de production Fabrik Cassiopée – Manon Crochemore, Manon Joly et Isabelle Morel
en collaboration avec Air Rytmo – Maé Zamora
Studios d’enregistrement Music Unit (Montreuil), Creative Sound (Paris) et La Puce à l’oreille (Montreuil)
coproduction Air Rytmo & Association Poppydog
avec le soutien de la SPPF et du FCM

Jonathan Capdevielle est artiste associé au QUAI CDN Angers Pays de la Loire, au Centre Dramatique National d’Orléans et au théâtre Garonne – Scène européenne, Toulouse. L’association Poppydog est soutenue et accompagnée par la Direction régionale des affaires culturelles d'Ile-de-France - ministère de la Culture, au titre du conventionnement.